Hopi-Silberschmiedekunst und die Geschichte von Kópavi

Ein Hopi-Erbe, jetzt bei Garland's

Wir freuen uns, Ihnen mitteilen zu können, dass die weltberühmte Kópavi Kollektion von Hopi-Schmuck zu Garland's stößt. Lesen Sie weiter, um mehr über die Geschichte der Hopi-Silberschmiedekunst sowie die Ursprünge und das bleibende Erbe von Kópavi zu erfahren.

Eine Geschichte der Hopi-Silberschmiedekunst

Das Hopi-Volk lebt im Nordosten Arizonas auf drei flachen Mesas. Die Spanier nannten sie Pueblo-Menschen, wegen ihrer gemeinschaftlichen Dörfer und ihrer agrarischen Lebensweise. Die Hopi-Mesas sind die Heimat von 12 Dörfern, darunter Old Oraibi, das als älteste kontinuierlich bewohnte Siedlung der Ureinwohner in Nordamerika gilt.

Das Wort Hopibedeutet „Die Friedfertigen“, und es ist ein treffendes Abbild ihrer Weltsicht. Die Hopi sind ein zutiefst spirituelles Volk, dessen zentrale Überzeugung darin besteht, im Einklang mit der Natur und der gesamten Menschheit zu leben. Wenn die Hopi beten, beten sie nicht nur für sich selbst, sondern für Regen, Gleichgewicht und Frieden für die ganze Welt. Als Trockenbauern ist ihre Kultur und ihr zeremonieller Kalender eng mit den Aussaat- und Erntezeiten verbunden. Diese Themen – Regen, Mais, Kachinas, die Zyklen der Natur – waren schon immer zentral für die Hopi-Kunst und sind bis heute die vorherrschenden Motive des Hopi-Schmucks.

Die Hopi-Silberschmiedekunst begann Ende des 19. Jahrhunderts, als Lesou, der Ehemann der berühmten Töpferin Nampeyo, der erste Hopi wurde, der Silberschmiedekunst von Zuni-Künstlern erlernte. Bis 1906 fertigten Silberschmiede von allen drei Mesas Silberarbeiten an, doch viele Jahre lang ähnelten diese dem Navajo- und Zuni-Stil, der ihnen vorausgegangen war. Ein unverwechselbar hopischer Stil begann in den 1930er-Jahren Gestalt anzunehmen, was zu einem großen Teil dem Einfluss von Dr. Harold S. Colton und Mary-Russell Ferrell Colton, den Gründern des Museum of Northern Arizona in Flagstaff, zu verdanken war. Die Coltons ermutigten Hopi-Künstler, einen einzigartigen Stil zu entwickeln, der in der Hopi-Kultur verwurzelt war und sich von alten Töpferdesigns, Wandmalereien und zeremoniellem Symbolismus inspirieren ließ.

Ein Wendepunkt kam nach dem Zweiten Weltkrieg. Als der Krieg 1945 endete, kehrten viele junge Hopi-Männer aus ihrem Militärdienst nach Hause zurück. Diese zurückkehrenden Veteranen standen vor der schwierigen Realität, dass es auf den Hopi-Mesas nur wenige Arbeitsmöglichkeiten gab. Die Landwirtschaft blieb zentral für das Leben der Hopi, doch sie war saisonal, arbeitsintensiv und nicht ausreichend, um wachsende Familien in einer bargeldorientierten Wirtschaft zu ernähren. Gleichzeitig wollten viele dieser Männer auf ihrem angestammten Land bleiben, in der Nähe ihrer Gemeinschaften und Traditionen. Es bestand die berechtigte Sorge, dass junge Hopi ohne neue Einkommensquellen gezwungen sein würden, auf der Suche nach Arbeit umzuziehen – und damit Gefahr liefen, den kulturellen Zusammenhalt und die Stärke ihrer Gemeinschaft zu verlieren.

Als Reaktion darauf wurde 1949 in dem Dorf Shungopavi auf der Hopi Second Mesa die Hopi Silvercraft Cooperative Guild gegründet. Unter der Leitung der Künstler Fred Kabotie und Paul Saufkie Sr. begann die Gilde, zurückkehrende Hopi-Veteranen in der Silberschmiedekunst auszubilden. Diese, heute legendären „Veteranenkurse“ wurden durch den GI Bill finanziert und brachten viele der einflussreichsten Hopi-Silberschmiede des 20. Jahrhunderts hervor. Das Programm vermittelte Grundlagen des Designs, der Werkzeugherstellung und der Fertigungstechniken, doch noch wichtiger war, dass es die Künstler dazu ermutigte, Schmuck zu kreieren, der die Hopi-Identität zum Ausdruck brachte. In dieser prägenden Zeit entwickelte sich die Hopi-Overlay-Technik, die heute mit der Hopi-Silberkunst gleichgesetzt wird, zum charakteristischen Stil des Hopi-Schmucks.

Overlay beinhaltet das Einbringen kunstvoller Muster in eine obere Silberschicht, die anschließend auf eine dunklere, oxidierte Unterlage gelötet wird. Der dadurch entstehende Kontrast erweckt symbolische Motive zum Leben: Regenwolken, Kiva-Stufen, Maisstängel, Kachinas, Migrationsmuster und mehr. Diese Technik bot sowohl ein Medium für den kulturellen Ausdruck als auch eine würdevolle, nachhaltige Lebensgrundlage – und ermöglichte es den Künstlern, zu Hause zu bleiben und weiterhin am Hopi-Leben teilzunehmen.

In den folgenden Jahrzehnten erlangte der Hopi-Schmuck weltweite Anerkennung. Eine seiner bekanntesten Persönlichkeiten, Charles Loloma, wurde zu einem internationalen Star und erlangte durch seine innovativen Designs, die die Kunst des amerikanischen Indianerschmucks für immer prägten, große Berühmtheit und Reichtum. Doch trotz dieses großen Erfolgs blieben Hopi-Künstler ihrer Herkunft tief verbunden. Viele waren spirituelle Anführer und pflegten traditionelle Bräuche, darunter die Pflege von Melonen-, Kürbis- und Maisfeldern. Der Hopi-Meisterschmied für Overlay-Silberarbeiten, Victor Coochwytewa , erlangte internationale Anerkennung als Juwelier, bezeichnete sich jedoch stets zuerst als Maisbauer. Mit einem Funkeln in den Augen sagte er einmal: „Schmuck ist mein Hobby; Maisanbau ist meine Arbeit.“ Hopi-Künstler blieben ganz wörtlich in ihrem Hopi-Leben verwurzelt.

Auch heute wird die Hopi-Silberschmiedekunst weiterhin gepflegt, doch wir sehen jedes Jahr weniger davon. Als einer der kleinsten Stämme im Südwesten produzieren die Hopi im Vergleich zu anderen Stämmen deutlich weniger Schmuck. Immer weniger junge Hopi-Künstler ergreifen das Handwerk, was auf die Herausforderungen volatiler Metallmärkte, die Anziehungskraft der modernen Kultur und die Anforderungen zurückzuführen ist, eine anspruchsvolle und mühsame traditionelle Kunstform zu meistern. Dennoch entwickeln sich individuelle Stile weiter, und neue Generationen bringen Innovation in die Arbeit ein. Im Kern bleibt der Hopi-Schmuck in der Bewahrung der Kultur, der spirituellen Bedeutung und einer tiefen Ehrfurcht vor der Natur verwurzelt. Jedes Stück erzählt eine Geschichte – nicht nur die des Künstlers, sondern die eines Volkes, das über Jahrhunderte voller Wandel hinweg mit Widerstandskraft, Würde und Frieden überlebt hat.

Hopi-Schmuck in seiner ganzen Pracht zu würdigen bedeutet, seine Ursprünge zu ehren. Diese atemberaubenden Kunstwerke, die sorgfältig gefertigt, auf der ganzen Welt gesammelt und in feinen Galerien ausgestellt werden, entstehen in den stillen Häusern und Dörfern der Hopi-Mesas vonKünstlern, die zugleich Bauern, Zeremonienleiter und Hüter ihrer Kultur sind. Viele dieser Künstler leben an staubigen Schotterwegen in einfachen Häusern aus geschichteten Steinen, umgeben von derselben Wüstenlandschaft, in der ihre Vorfahren seit Jahrhunderten leben. Dass diese Kunstwerke aus solch bodenständigen, spirituellen Orten hervorgehen, ist ein Teil dessen, was Hopi-Schmuck so außergewöhnlich macht.

Kópavi:
Die Geschichte von Richard Mehagian, Margo Dove und einem Hopi-Schmuckerbe

Im Jahr 1973 fuhren Richard Mehagian und Margo Dove in das Hopi-Dorf Shungopavi auf der Second Mesa. Was als Roadtrip aus Neugier und Liebe zur Kunst der amerikanischen Ureinwohner begann, entwickelte sich zu einer lebenslangen Partnerschaft mit Hopi-Schmuckern – einer Partnerschaft, die den Lauf des zeitgenössischen Hopi-Schmucks verändern und ein Werk schaffen sollte, wie es zuvor noch nie gegeben hatte.

Ihr Besuch war nicht Teil eines Geschäftsplans. Richard und Margo wurden von einem gemeinsamen Gefühl des Staunens, des Respekts und der kulturellen Neugier von den Hopi angezogen. Ob durch Zufall oder Schicksal, sie landeten in genau dem Dorf, in dem die Hopi Silvercraft Cooperative Guild Jahrzehnte zuvor gegründet worden war – einem Ort, der bald zu einem zentralen Bestandteil ihres Lebens und ihres Lebenswerks werden sollte. Die Menschen von Shungopavi empfingen sie mit unerwarteter Offenheit. Im Laufe der Zeit entwickelten sich diese frühen Besuche zu tiefen Freundschaften und kreativen Kooperationen. Ein Hopi-Künstler, McBride Lomayestewa, gab Richard den Spitznamen „Ahöla“, weil er Richards Haar mit dem Kopfschmuck des Ahöla Kachina verglichen sah und weil er, genau wie der Kachina, immer mit seinem „Mana“ gesehen wurde, Margo Dove. Schon bald kannte ihn jeder im Dorf einfach als Ahöla. Margo wurde nie Mana genannt, doch Richard würde sich ohne sie nicht Ahöla nennen.

Richard und Margo verbrachten ihre Wochenenden damit, nach Hopi zu fahren, an Zeremonien teilzunehmen, Künstler zu besuchen und unter der Woche für ihre Jobs nach Phoenix zurückzukehren. Ende 1974 zogen sie nach Sedona, Arizona, und mieteten gleichzeitig einen Wohnwagen in Shungopavi. In diesen frühen Jahren teilten sie ihre Zeit zwischen den beiden Orten und tauchten tief in die Hopi-Gemeinschaft ein. Sie lieferten Schmuck an das Capistrano Trading Post, das Museum of Northern Arizona und andere regionale Galerien. Doch bald erkannten sie, dass sie, um die Künstler, mit denen sie zusammenarbeiteten, vollumfänglich zu unterstützen, ihre eigene Galerie eröffnen mussten.

1976 eröffneten sie Kópavi Internationalin Sedona, Arizona. Kópavi bedeutet „Tür zum Scheitel“,und bezieht sich auf die weiche Stelle am Kopf eines Säuglings, die in der Hopi-Kultur als Verbindung zur nächsten Dimension gilt. Der Laden wurde schnell zu einer Vitrine für einige der spirituell ansprechendsten, technisch raffiniertesten und künstlerisch mutigsten Hopi-Schmuckstücke, die überhaupt gefertigt wurden. Im Gegensatz zu vielen anderen Händlern der damaligen Zeit arbeiteten Richard und Margo eng mit den Künstlern zusammen – sie kauften nicht nur fertige Werke, sondern stellten auch Materialien bereit, ermutigten zu Experimenten und halfen den Künstlern, sich kreativ und beruflich weiterzuentwickeln.

Jedes durch Kópavi entstandene Stück trägt nicht nur die Markierung des Hopi-Künstlers, sondern auch ein einzigartiges Kópavi-Shop-Markenzeichen, das diese Zusammenarbeit kennzeichnet. Das Markenzeichen von Kópavi zeigt einen Flötenspieler und wurde von Delbridge Honanie entworfen. Dieses Markenzeichen ist bundesweit als Marke geschützt und darf ausschließlich auf handgefertigtem Schmuck von amerikanischen Ureinwohnern erscheinen. Es garantiert die Echtheit des Werks.

Richards Blick für Materialien half dabei, neu zu definieren, was Hopi-Schmuck sein konnte. Während früherer Hopi-Schmuck mit Überlagerungstechnik oft dünneres Silber verwendete, ermutigte Richard die Künstler, mit schwererem Silber zu arbeiten, was zu dickeren, langlebigeren Stücken führte. Er bezog außerdem hochwertigen, natürlichen Türkisstein von Steinhändler Larry Cooley und führte Gold und Platin in eine Tradition ein, die sich lange ausschließlich auf Silber konzentriert hatte. Die einzigartige Verwendung von Gold in Schmuck mit Überlagerungstechnik wurde zu einem charakteristischen Merkmal von Kópavi-Schmuck. Einige der Schmuckstücke enthielten sogar Diamanten und andere Edelsteine, die zuvor noch nie in Hopi-Schmuck mit Überlagerungstechnik verwendet worden waren. Er arbeitete eng mit Meisterjuwelieren wie Victor Coochwytewa, Michael Kabotie, John Coochyumptewa und Phillip Honanie zusammen, um Diamanten, Texturen und heilige Symbolik in kraftvolle neue Designs zu integrieren.

Die Ergebnisse dieser Zusammenarbeit sind außergewöhnlich. Der Schmuck, der ab den 1970er-Jahren durch Kópavi entstand, stellt einige der außergewöhnlichsten Hopi-Kunstwerke des 20. Jahrhunderts dar. Die Stücke sind visuell atemberaubend und voller Bedeutung. Die Kópavi Kollektion umfasst die wegweisende „Emergence Jewelry“-Serie von Phillip Honanie, die von der Hopi-Schöpfungsgeschichte inspiriert ist. Die Kollektion präsentiert außerdem Victor Coochwytewas Starblower-Schmuck, der eine spirituelle Figur darstellt, die Sterne an den Himmel sendet – eine Metapher für die Erleuchtung der Dunkelheit und die Wiederherstellung des Gleichgewichts im Kosmos.

Nach über 50 Jahren enger Zusammenarbeit mit Hopi-Künstlern gingen Richard und Margo 2025 in den Ruhestand. Garland’s ist geehrt, nun als Hüter der Kópavi Kollektion, die Werke vieler der bedeutendsten Hopi-Silberschmiede präsentiert. Diese Stücke – die einst nur im warmen, holzgetäfelten Inneren der Kópavi Galerie in Sedona zu sehen waren – sind nun zum ersten Mal überhaupt in unseren beiden Galerien sowie online erhältlich.

Die Geschichte von Kópavi ist ein Zeugnis dafür, was möglich ist, wenn Respekt, Vertrauen und Kreativität Raum zur Entfaltung finden. Wir sind stolz darauf, diese Geschichte weiterzuführen und diese außergewöhnlichen Stücke mit der Welt zu teilen. Wir laden Sie ein, die Kópavi-Kollektion zu entdecken und die Tiefe, Schönheit und stille Brillanz der Hopi-Handwerkskunst zu erfahren.

Kaufen Sie die Kópavi-Kollektion